Después de pamplinas varias (como Premonición y alguna estupidez deportiva junto a Kevin Costner... ni siquiera me voy a parar a buscarlo en imdb) Raimi, Sam Raimi, vuelve al hogar: la serie B. El género que le dio fama vintage (gracias a su falsa trilogía del mal, con Posesión Infernal, Terroríficamente Muertos y El Ejército de las Tinieblas) merecía una nueva oportunidad después del viaje de este director a las altas cotas del cine comercial, que ha conocido como artesano sin sello de autor en otra trilogía, la de Spiderman.

El anuncio de Raimi acerca de un guión titulado Drag to me Hell (me gusta más la connotación del título original, traducido en España como Arrástrame al Infierno, pero que en la lengua de Shakespeare es más anatómico y visual, algo así como "Absórbeme hasta el Infierno"), el cual él mismo tendría en mente dirigir, levantó la curiosidad de muchos aficionados al género. Me reconozco como fan de la paupérrima Posesión Infernal, con su repugnante sentido del humor procedente de la tradición del cartoon, aunque El Ejército de las Tinieblas me parece una chorrada supina. De todos modos, era evidente que existía cierto morbo por ver cómo el autor regresaba al terreno donde más agusto se siente con la experiencia recogida durante los años.

El resultado no podría ser mejor. Arrástrame al Infierno es serie B pura y dura, con todos y cada uno de los elementos que hicieron de este estilo un género grande a finales de los 70 y principios de los 80 de la mano de dos de los genios fundamentales de este territorio: Larry Cohen y John Carpenter. El humor negro, el estilo noir, la lectura moral y maniquea de su contenido, la ingenuidad y desazón de su protagonista, los secundarios asfixiantes, lo paranormal, la mitología del inframundo, las vísceras, la sangre, lo absurdo, lo entrañable... ¡e incluso una exquisita banda sonora de una institución en el género, Christopher Young! Todo está presente en esta joya.

Al ver la película, divertida, entretenida y con mucho sentido y honestidad de acuerdo a las intenciones y metas que se marca como historia, me temía que parte del público no conectara. Después de todo, en una misma secuencia se mezclan con riesgo el terror, el suspense, la acción y el humor absurdo. A la gente parece que le pone un poco nerviosa esos aliños de tono. Pero en Arrástrame al Infierno la fórmula cuaja como la mayonesa casera en invierno. Por supuesto, el terreno del maquillaje y los efectos visuales son una parte fundamental de la serie B, y aunque Raimi no ha demostrado la osadía de Carpenter al recurrir a técnicas tradicionales y añejas, se nota que hace grandes esfuerzos por rememorar su sello personal, procedente de su trilogía del mal, abusando con agradable insistencia de planos aberrantes, esquizofrénicos planos acelerados, zooms alejados de toda medida y coreografías más propias del coyote y el correcaminos que de una peli de terror. Bravo por ello.

Arrástrame al Infierno podría haber sido la mejor peli de terror del año (quizás lo sea, aún hay que esperar) si no hubiese sido por los dos puntos negros del film. Por un lado, su aburridísima protagonista, Alison Lohman, sosa, plana, sin chispa, desperdiciando algunas secuencias en las que cualquiera otra con un poco más de desparpajo podría haber provocado auténticas carcajadas ante el respetable; por otro, el montaje, que en algunos momentos adolece de un ritmo atrancado, por no decir que, literalmente, faltan al menos un par de secuencias que al desaparecer en la sala de edición han traído consigo cierta confusión en el desarrollo de la historia.

Grandes aplausos para Sam e Ivan Raimi por escribir esta grandiosa historia. Los freaks de la serie B te lo agradecemos y esperamos con avidez la llegada del remake de Posesión Infernal.

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Michael Jackson creció con el corazón roto, roto por un padre que lo quebró a varazos por la codicia. Michael Jackson creció a la sombra de otra persona: la que todos esperaban de él.

El niño prodigio que fue le tuvo secuestrado toda la vida, y este Peter Pan de maquillaje corrido nunca fue capaz de crecer, de ser un hombre adulto.

Fue un genio. Revolucionó la música popular. Quizás fue el creador de la música Pop tal y como la entendemos. El Pop nació en 'Thriller', una suerte de plataforma poliédrica en la que había música endiabladamente rítmica y pegadiza, bailes que desafiaban lo anatómicamente posible, y el germen fundacional de la cultura del videoclip actual.

Su excelencia profesional (excelente cantante, excelente bailarín, excelente compositor) era inversamente proporcional a su excelencia personal. El monstruo había devorado a la persona. Megalómago, excéntrico, desequilibrado... nunca fue un individuo normal. En la fabulosa 'Tres reyes' de David O´Russell un torturador iraquí pregunta a un soldado estadounidense "¿Qué pasa con Michael Jackson?". Michael Jackson es el síndrome de una época enferma: el hombre que destiñe su piel, que se arranca a sí mismo.

La suya es la imagen del niño perdido, desorientado, triturado por dentro, paranoico. El niño que buscaba otros niños con los que jugar en su mastodóntico cuarto de juegos que es Neverland, el complejo que incluye mansión y parque de atracciones. Neverland. Nunca Jamás.

El corazón roto del más roto de los juguetes rotos ya no pudo más. Los varazos de su infancia no dejaron de azotarle como fantasmas anclados en la casa embrujada de sus recuerdos. Y uno de esos varazos le detuvo el corazón.

Y se acabó.

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Igual es pura ignorancia (casi que debe ser eso) pero creo que hay una enorme sequía de ficción infantil de carácter universal en los días que vivimos. Seguro que hay una producción de cuentos para niños que supera en un sopotocientos por cien lo que se venía haciendo siglos atrás; sin embargo, la globalidad de estos relatos didácticos se deja notar por su ausencia en los tiempos de la sociedad sin barreras culturales. Paradoja a la vista.

Hace muuuuchos años, no había niño o niña que no conociera historias como la de Hansel y Gretel, Garbancito, o Caperucita Roja. ¿La razón? El bestial impacto psicológico y emocional con el que estos relatos hacían mella en el oscuro imaginario infantil. Estos pasajes cargados de sangre, muerte y casi siempre canibalismo conectaban con la severa advertencia de 'no pasar' que pretendían ser las fábulas de obediencia y rectitud.

En los días de lo políticamente correcto y la hipocresía (estos que vivimos, no se vaya usted muy lejos...) se hace difícil dar un golpe en la mesa como con esas historias lúgubres y aterradoras que enraizaban en la mentalidad de los más pequeños con enseñanzas que pervivirían en su subconsciente durante toda su vida.

Por suerte, y precisamente de la factoría de ficción que pervirtió la esencia tenebrosa de los cuentos que educaron y atemorizaron a partes iguales (DIS-NEY), en los ochenta surgió un cuentacuentos de la vieja escuela, Tim Burton, que supo devolver al César lo que es del César. Él apadrinó a un joven creador, Henry Selick, quien firmó la que quizás es la película de animación más inquietante y herética que se ha realizado para el gran público, 'Pesadilla antes de Navidad'. Fue Selick, y no Burton, quien dirigió esta joya gótica ("Tim ni siquiera pasó por el estudio", cuenta en una pequeña entrevista que recoge Fotogramas en su edición de Junio), eso sí, a partir de conceptos del director de 'Eduardo Manostijeras'.

El sello Selick es patente, no obstante, en su nueva película, 'Los mundos de Coraline', cinta filmada en 3D a partir de la técnica favorita el autor, el stop motion. La historia, basada en un relato de uno de los gurús de la novela gráfica, Neil Gaiman, se construye sobre la fantasía del cáncer educacional de nuestro tiempo: la desatención a los hijos. Padres demasiados ocupados, escasa importancia del mundo de la imaginación, una vida que gira en torno a las horas extras y la productividad laboral y nulo peso de la opinión del menor en las decisiones familiares: todos síntomas del grisáceo universo en el que se ve implatada Coraline como la prótesis de un miembro amputado.

La nueva situación de la pequeña protagonista es caldo de cultivo para los flautistas de Hamelin, siempre en guardia a la hora de engatusar a quienes buscan ser el centro de atención. Coraline encuentra el mundo a su medida tras una diminuta puerta cerrada, encuentra colorido, diversión y todos sus deseos con una única condición: perder sus ojos a cambio de botones.

Resulta espléndida la forma en que Henry Selick hace accesible para el código infantil el delicado asunto de la perversión de un menor, sobre todo teniendo en cuenta que el lenguaje que emplea nunca deja de conectar con el imaginario de los adultos que puedan acompañar a los más pequeños en esta experiencia en tres dimensiones.

Un diez para los artífices de este relato, sobre todo teniendo en consideración que la anterior película que se pudo ver filmada desde cero en esta tecnología, 'Monstruos contra alienígenas', pecaba precisamente de obviar aquello de lo que esta cinta ha sabido hacer su buque insignia: la permeable e hiperactiva inteligencia infantil.

Si hubiese que ponerle una pega, quizás la llamada de atención recaería sobre la banda sonora que firma Bruno Coulais. Este sobresaliente compositor francés ha tenido la desgracia de, según puede intuirse en el tono general de la partitura, haber sufrido el síndrome del segundo plato: todo el universo que construye Selick evoca irremisiblemente al acelerado estilo de Danny Elfman, y probablemente la negativa del pelirrojo autor haya supueso una imposición de estilo para el que parece haber sido su sustituto en esta tarea. Sin embargo, donde ha disfrutado de espacio, Coulais ha sabido transmitir su impronta personal, algo que se detecta en el emocionante tema principal, un melancólico pasaje que con increible sencillez sabe trasmitir la inocencia de su joven protagonista.

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Otro flashazo. Ayer se enfretaron el Real Madrid y el Getafe. Un martes. Debe ser Copa de Rey, supongo. El caso es que el defensa madridista Pepe le da fuerte y flojo (FUERTE Y FLOJO) a Casquero, jugador del Getafe. Ni Stoichkov en sus mejores tiempos habría emulado con tal maestría al jamelgo de Atila. Qué bicho. Para colmo, al dato de lo que refleja el acta del árbitro tras el encuentro y al respecto del atropello merengue: "dicho jugador cuando abandona el terreno de juego se dirige al cuarto árbitro, con la siguiente frase: 'sois todos unos hijos de puta'". El yerno perfecto. Un paladín de la prosa lírica. El sparrin ideal para una tarde dominical de canción protesta.

A tenor de las circunstancias, penalti, obviously.

El propio Casquero, diana de la agresión, se pone las botas y enfila el esférico en el punto de castigo (castigo el que se llevó él, insisto). Que algún forofo de este deporte me explique qué hizo Casquero, por favor. Debía ser el cumpleaños de Iker Casillas, o el Día del Portero, o qué sé yo. Un esperpento de tiro.

Juande Ramos, entrenador del Real Madrid, tildó esta forma de lanzar el penalti como "falta de respeto". Y tiró mal, ojo. Cosa que beneficia a su equipo. Falta de respeto.

El ser humano es extraordinario.

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Con 24 años Anton Corbijn se endeudó hasta las cejas, dejó su vida en Holanda y cogió carretera y manta para trasladarse a Manchester. Un año antes conoció en circuítos underground la existencia de una banda de veinteañeros llamada Joy Division. De algún extraño modo, Corbijn supo ver lo que el mundo descubriría poco más tarde: la historia de la música estaba a punto de añadir un nuevo capítulo, y Joy Division era la primera frase de su primera página. Fue entonces cuando se puso al servicio de la banda como fotógrafo, convirtiéndose en la sombra del grupo en general y de su cantante, Ian Curtis, en particular.

Casi treinta años más tarde, ha dirigido su primer largometraje, 'Control', basado en la figura de este sombrío frontman, reafirmándolo como la metáfora de una época rebosante de luces y sombras. El estilo con el que el director ha construído este biopic es fiel a su filosofía como fotógrafo: la imagen en blanco y negro, retratando el omnipresente humo de Manchester procedente de la industria y el tabaco, las calles atravesadas por vaivenes de cuestas, los pubs de rostros silenciosos y las salas de conciertos donde el sonido de las bandas el drenado por el ansioso interés de una multitud juvenil criada por salarios obreros y melodías de Bowie, Iggy Pop o Sex Pistols.

Si el escenario está representado con un brillante pulso, la concisión y el cariño con el que Corbijn presenta a Curtis sólo puede ser descrito como magistral. La introducción que hace de su protagonista (breve, directa, perfecta) adelanta el tono que el autor mantiene para toda la historia, haciendo alarde a una madurez impropia para un director "novel" que procede del videoclip.

Lejos de intentar hacer malabares visuales y buscar vueltas de tuercas narrativas, Corbijn se aferra a un lenguaje directo que penetra en el alma de sus personajes, demostrando que los conoce de tú a tú, y creando en el espectador una atmósfera de familiaridad que se aleja del voyerismo para adentrarse de lleno en las circunstancias que condujeron de un modo inexorable al malogrado final de su jóven protagonista.

Si hubiese que describir la propuesta de Anton Corbijn con esta película con una palabra, ésta sería sin duda alguna "comprensiva": cualquier neófito que ignore lo que supuso la escena musical del Manchester de finales de los 70 para la historia de la música es capaz de ver con claridad meridiana la leyenda que hoy día es Joy Division. Pero 'Control' no es una película que busque, como lo hizo '24 hour party people', el retrato de la New Wave y Factory Records y el legado que dejaron a la cultura de masas; 'Control' es un sentido homenaje a la soledad de un muchacho, Ian Curtis, siempre marcado por el estigma del error en el éxito y en el fracaso, en las buenas y en las malas decisiones, en el insondable pozo del arrepentimiento constante y sumido en la infelicidad de quien, pasara lo que pasara, pensaba que nunca mantenía el control de lo que le rodeaba.

Para quien quiera ver una historia sobre la Vida en mayúsculas, no puede perderse 'Control'.

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Hay dos Clint Eastwood. No son distintos, pero sí referenciales. Está el Eastwood de historias intrincadas, cargadas de lirismo y un cuidado aspecto formal. Es el Clint de 'El intercambio' o 'Más allá del jardín del bien y del mal'. No es un mal Eastwood, dado que como buen contador de historias, tener para sí recursos (y presupuesto) que le posibiliten contar con excelentes artesanos de la técnica y la interpretación hace que el resultado global sea mucho más satisfactorio. Qué diablos: es un buen Eastwood.

Pero hay otro Eastwood. El sencillo. El de cuentos oscuros pero rebosantes de optimismo. 'Million Dollar Baby' o esta 'Gran Torino' son dos ejemplos de ello. En su última película, el casi octogenario director-actor-músico hace alarde de esa sensibilidad que le caracteriza y que le hace único, personal, en la filmografía general que se estrena cada año. Nunca busca ser original ni rompedor en este tipo de cine, y precisamente esa liberación es la que lo capacita para dar en la diana dentro de las intenciones que requiere el relato.

Además, cuando Eastwood actúa, sabe quién es. Sabe que es Harry Callahan; sabe que es El Rubio de 'El bueno, el feo y el malo'; sabe que es un acertado cliché. Y lejos de distanciarse de ello, lo explota y aprovecha su sinergia. Ahora es un ex-veterano de la Guerra de Corea, una suerte de arisco estadounidense en tierra hostil: su propio barrio, donde otrora vivían sus semejantes y ahora se ha visto transformado en un suburbio de inmigrantes, asiáticos en su mayoría. A raíz del intento de robo de su joya más preciada, un Gran Torino de los 70, toma bajo su ala el encauzamiento de Tao, un joven vietnamita apocopaco que es asediado por una banda de delincuentes que intentan reclutarlos.

Esta historia de iniciación se convierte en la catarsis de un anciano que vive a la sombra de sus temores (sus terribles experiencias en la guerra y la tibia relación que tiene con sus hijos). El camino que el director escoge para narrar la transformación de sus personajes es impecable, cargado de emociones: humor, nostalgia y, cómo no, dolor. El pulso del relato es firme, equilibrado y rítmico como pocas veces se puede admirar en este tipo de cine. Todo funciona en 'Gran Torino'. No hay lugar para el aburrimiento o la disgresión. Además, están presentes todas las claves del cine de Clint Eastwood sin caer en el síndrome del calzador: fe, culpa y transformación.

Es incomprensible que 'Gran Torino' no fuese su caballo de batalla en los pasados Oscar. Aunque muchas veces es así mejor. No hacer ruido ayuda a que la voz se oiga mucho más fuerte.

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Ha costado. Y mucho. Nadie se atrevía a adaptar Watchmen, la que dicen es obra clave para entender la novela gráfica moderna, la vuelta de tuerca que el gurú del género, Alan Moore, hilvanó en torno a un 1985 alternativo en el que un grupo de héroes enmascarados pasan lista a sus existencias a cinco minutos de que el reloj del fin del mundo llegue a la medianoche.

Zack Snyder contó con el apoyo de la industria después del éxito cosechado por '300'. Él mismo se sintió fuerte donde flaquearon Terry Gilliam o Darren Aronofsky. No hay duda de que conoce el material de trabajo al dedillo, entiende a sus personajes y es capaz de correr a ciegas entre cada uno de los temas que se tratan en el densísimo cómic en el que se basa. Pero no contábamos con que el cine en sí mismo es un lenguaje, con sus particularidades y defectos, y conocerlos bien es tan o más importante que controlar el GPS del guión.

Las dos primeras secuencias de la película (el asalto en casa de Edward Blake y los títulos de crédito) nos pusieron los ojos como platos. Este tipo sabe lo que hace, gritábamos en silencio. Pero luego llegó el síndrome del adaptador: cada plano era una construcción perfecta, demasiado perfecta, de las viñetas del cómic. Mal asunto.

En casi tres horas, el film de 'Watchmen' aglutina todo el material previo con más o menos acierto, tomándose las licencias más desafortunadas que se podían tomar: las espectacularísimas secuencias de acción chirrían con profunda desnaturalidad. Los decadentes superhéroes en paro se mueven con la soltura de un atleta a pesar de que, en teoría, llevan en el retiro muchos años. El ingenio es secuestrado por la verborrea, y la soberbia estructura narrativa que había sobre el papel queda sustiuída por un solvente y correcto juego de disgresiones que, en más de una ocasión, obstaculizan el buen ritmo de la historia.

El empleo de la música (refiriéndonos a la selección de canciones, no al score de Tyler Bates, que aprueba como una obra funcional) sí que destaca sobre la media, siendo una de las pocas herencias del buen sabor de boca de los títulos de crédito. Hubiese sido tentador caer en anacronismos, pero el equipo de producción ha sabido acertar con temas de Bob Dylan o Leonard Cohen que ayudan (mucho) a desarrollar un ambiente propicio para situar la acción de la película.

Aplausos por el esfuerzo representado por Zack Snyder en 'Watchmen'. Pero, una vez más, Alan Moore supo profetizar el resultado general de la película.

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El Stradivarius es el Maradona de la música. Lo tiene todo, con la excepción de que no adquiere adicciones, sino que las genera. En particular, en la historia ha generado una adicción: la obsesión por conocer el secreto que lo hace mágico y perfecto como instrumento. Un científico tejano (científico tejano, atiende...) parece haber dado con el camino de las tejas amarillas (lo de las 'tejas' ha salido casi por casualidad, caprichos de la mente...) hacia la formulación de las claves que hacen de estos violines únicos como piezas de museo y herramientas para ejecutar la belleza pura.

Como cualquier truco de magia desvelado, la respuesta es tan áspera como una mala compañía. Bórax, fluoruros, cromo y sales de hierro parecen ser los compuestos de los que ha emanado durante siglos el genio de intérpretes como Paganini. Es cuanto menos que revelador que el bórax, elemento presente en productos de limpieza como la pasta de dientes, en insecticidas o en artefactos explosivos (recuerden el ácido bórico), sea uno de los secretos ocultos tras algunas de las interpretaciones más escalofriantes y sensibles que se documentan en el mundo de la música.

Un secreto esconde la naturaleza de complicidad en sí mismo; su carácter intrínseco de no ser revelado para continuar existiendo; es una excusa para seguir buscando y que, de forma paralela, ayude a comprender detalles que nada tenían que ver con el anhelo que lo inició. Un secreto es una decepción por ser destapada; una hipótesis sin tesis: un MacGuffin. La vida comienza con un secreto, el sentido de la vida misma, y nos pasamos la vida intentando revelar la esencia misma de ese enigma, empujándonos adelante hacia un horizonte que nunca se alcanza. La gracia está en que el camino hacia ese horizonte es, de por sí, iniciático, y sirve para enaltecer el sentido de una búsqueda sin éxito, porque el éxito es la propia búsqueda.

¿Dónde está la gracia del truco de un mago si sabemos las argucias de su ingeniero de ilusiones? ¿Es más maravilloso el solo del Adagio de Albinoni que sale de las cuerdas de un Stradivarius por la procedencia de los impulsos acústicos de su melodía o por la mano de un intérprete que no ha sido digno de tocar esa joya de madera hasta estar preparado?

Bórax, fluoruros, cromo y sales de hierro. La inocencia está infravalorada.

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2009 sirve de efeméride para recordar la paranoia global del efecto Y2K (irónicamente, la manifestación más cercana de este fenómeno se vivió el 1 de enero de 2009, con el gigantesco signo de interrogación que se creó en torno a las unidades de reproducción multimedia ZUNE de Microsoft y el problema de su sistema operativo para asimilar el concepto del año bisiesto...), aunque no sólo por ello.

Los cinéfilos que no le hacen ascos al cine hollywoodiense recuerdan con añoranza un año redondo cuando se echa la vista atrás al año que sirvió pra cambiar dígitos. Vamos a repasar algunas de las joyas del 99:


American Beauty: para muchos, el paradigma de un cambio. Cinco Oscars (seis para quienes consideramos injusto que Newman no se llevara, una vez más, la estatuílla por un score que ha sentado cátedra para las partituras venidera) y un bofetazo de frescura a la producción norteamericana avalan esta versión a imagen real del espíritu transgresor y cáustico de Los Simpsons. Su guionista y cerebro, Alan Ball, continuó la senda trazada por esta fábula de clase media en 'A dos metros bajo tierra'.


The Insider: infravalorada en su momento, esta obra maestra de Michael Mann le sirvió para virar su modo de hacer cine hacia una narración más instrospectiva que ya inició en su anterior epopeya poliaca, 'Heat'. De sus siete nominaciones al Oscar no vio más que las intenciones, pero hoy día respira con la misma juventud y solvencia que el primer día, reconociéndose en muchos de sus pasajes la sombra que ha vertido sobre un cine de intriga diferente. Sin 'The Insider' no habrían existido maravillas como 'Michael Clayton'.


Huracán Carter: Denzel Washington logró su segundo oscar por este filme... aunque se lo dieron dos años más tarde, cuando Antoine Fuqua lo dirigió en la insulsa 'Training Day' (caso parecido al de Russel Crowe, quien vió cómo su brutal trabajo en 'The Insider' era galardonado un año más tarde en 'Gladiator'). La historia de este luchador dentro y fuera del ring emocionó a crítica y público y le valió el reconocimiento de ser una de las películas más rentables del 99.

Un domingo cualquiera: epiléptica épica del fútbol americano como metáfora de la vida, la película de Oliver Stone provocó el rechazo de muchos, aunque vista con el tiempo puede considerarse una de las obras mayores de este transgresor tendente a la megalomanía. En casi tres horas, Stone hiló una trama compleja acerca del riesgo, el orgullo y las oportunidades perdidas. El trabajo de edición de este filme ha sido raras veces igualado desde entonces.

Eyes Wide Shut: la obra póstuma del genio Kubrick tuvo más empuje por el morbo de su pareja protagonista que por el contenido que proponía, y aunque los manierismos de su autor puedan invitar a un rechazo a veces justificado, la verdad es que en pocas ocasiones se ha podido disfrutar de una historia sobre los fantasmas de la desconfianza de ese calado.

La milla verde: Darabont en el papel de Dabaront, o más Darabont que nunca. El pupilo de Spielberg cerraba su díptico carcelario con esta fábula sobre la redención que continuaba a su gran 'Cadena perpetua'. De nuevo, Thomas Newman orquestaba una banda sonora brillante. Sorprendió la candidatura del gorilón Michael Clarke Duncan al mejor actor secundario. Para muchos, fue el comienzo de un romance que aún continúa con el versátil y siempre maravilloso Sam Rockwell.

The Matrix: no es que me guste especialmente este filme, pero a dios lo que es de dios y al César lo que es del César. La ciencia-ficción y el cine de acción contemporáneo son incomprensibles sin la obra maestra de los hermanos Wachowsky. Aún recuerdo a Carlos Colón rasgándose las vestiduras en la Cadena Ser la mañana que siguió a la entrega de los Oscar por haber sido esta película galardonada con cuatro Oscars (efectos especiales, montaje, sonido y edición de sonido).

Sleepy Hollow: con un par de años de retraso llegó la película más lírica de Burton (amén de Sweenie Todd y la venidera adapatación de Alicia en el País de las Maravillas), un sentido homenaje a los títulos de la Hammer que el público no entendió y en el que Andrew Kevin Walker empezó a perder el crédito obtenido como guionista en 'Seven'. De cualquier modo, este cuento gótico de terror fue una delicia para quienes supieron saborear los guiños.

South Park: sobran las palabras.

El talento de Mr. Ripley: grandes descubrimientos de dos actores hasta entonces ocultos en las sombras de su juventud. Matt Damon y Jude Law emergieron como dos monstruos físicos e interpretativos en la revisión de la intriga de Patricia Highsmith firmada por el estético Anthony Minghella.

Tres Reyes: David O´Russel presagió lo que ocurriría años más tarde en esta electrizante comedia moral ubicada en la Guerra del Golfo. Sus tres reyes ladrones camparon a sus anchas por el desierto de Irak a golpe de lenguaje videoclipero hasta remover sus conciencias y la de los sorprendidos espectadores. Fue además donde la pantalla grande empezó a conocer a Spike Jonze, antes de que se cogiera de la mano de Charlie Kauffman para perpetrar su insólita 'Cómo ser John Malkovich'.

Las vírgenes suicidas: nació una estrella... años después de que sus padres la trajesen al mundo. Sofia Coppola dirigió su primera película, y el rictus de crítica y público fue notoriamente más satisfactorio de lo que lo fue en su malograda aparición en la película con la que su padre cerraba la trilogía de 'El Padrino'. Drama juvenil de calado rockero, este filme puso las cartas de su estilo sobre la mesa y enamoró a quienes aún no han dejado de amar sus películas.

El club de la lucha: no hay palabras. La crítica crucificó esta película tildándola de pretenciosa, anarquista, terrorista, demagoga, mentirosa, infantil, perturbadora y retórica, entre otras lindezas. Tienen razón. 'El club de la lucha' es eso y mucho más. Sin esta película no se entendería gran parte de la producción que la prosigió, además de haber sido un exquisito ejercicio de estilo con el que su director, David Fincher, sentó las bases de una forma de hacer cine sobre las que más tarde continuó construyendo. La minuciocidad de su propuesta y el metalenguaje con el que jugó dentro y fuera de la propia historia aún son objeto de debate y admiración en internet. Todo en 'El club de la lucha' funciona, a pesar de que pasará a la historia como uno de los batacazos comerciales más importantes de la Fox (no compensó los gastos de producción y promoción hasta el lanzamiento de las ediciones en DVD). Ser un hereje no es fácil.

Evidentemente, no están todas las que son, pero son todas las que están.

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